Belle Époque afişlerinden radikal performans sanatına uzanan yelpazede, 2025 sınırları zorlayan ve yeni diyaloglar başlatan sergiler sundu.
2025 bir şeyi kanıtladıysa, o da sanat dünyasının ağırlık merkezinin yer değiştirmekte olduğuydu. Evet, Paris dev sergiler sundu; David Hockney Fondation Louis Vuitton’da bazı eleştirmenleri neredeyse ağlatıyordu, Musée d'Orsay ise Belle Époque afişlerinin neden hâlâ önemli olduğunu hatırlattı.
Ama yılın en heyecan verici anlarının bazıları geleneksel sanat başkentlerinin dışında yaşandı: Orta Asya, oyunu değiştiren kurumlar ve etkinliklerle öne çıktı; Kıbrıs ise ilk uluslararası sanat fuarını başlattı. Tate Modern’de Leigh Bowery’nin korkusuz teatralitesinden Floransa’da Tracey Emin’in ham itiraflarına uzanan bu sergiler, sadece neyi gösterdikleriyle değil, sanatın dünyadaki yeri üzerine yürüyen sohbetleri nasıl yeniden çerçeveledikleriyle de dikkat istedi.
Musée d'Orsay'da Sanat Sokakta
Musée d'Orsay’ın Belle Époque afiş kültürüne yaptığı derinlemesine dalış, 19. yüzyıl reklamcılığı üzerine bir sergi için şaşırtıcı biçimde güncel hissettirdi. Toulouse-Lautrec, Mucha, Chéret ve Nabiler dâhil 230’a yakın yapıtı bir araya getiren sergi, resimli afişlerin Paris’i nasıl görsel bir oyun alanına dönüştürdüğünü izledi. Onu asıl güçlü kılan, sokağı hem galeri hem de mücadele alanı olarak ele alışıydı: o Morris sütunları ve sırtında tabela taşıyan adamlar sadece sevimli tarih notları değildi, kendi zamanlarının sosyal medyasıydı. Sergi, afiş sanatını kimsenin erişilebilirlik etiketi açmadığı günlerdeki “herkes için sanat” anlayışının radikal bir demokratikleşmesi olarak konumlandırdı. Fransa Ulusal Kütüphanesi ile birlikte düzenlenen etkinlik, bu ölçekte “Afişin Ustaları”na adanmış ilk sergiydi ve ticari sanatı ciddiye almak için ikna edici bir gerekçe sundu.
Buhara Bienali
Orta Asya’nın çağdaş sanat sahnesi, açılışını yapan Buhara Bienalinin kentin medreselerini ve kervansaraylarını sergi mekânlarına dönüştürmesiyle güçlü bir bildirimde bulundu. Diana Campbell’ın küratörlüğünü üstlendiği ve “Kırık Kalpler İçin Tarifler” başlığını taşıyan on haftalık etkinlik, 70’i aşkın uluslararası sanatçıyı yerel Özbek zanaatkârlarla eşleştirdi ve her iki tarafa da eşit kredi verilmesini ilke edindi. Âşık bir prensi iyileştirmek için İbn Sina’nın pilav icat ettiği efsanesine dayanan kavramsal çerçeve, işbirlikçi pratiklerde kredinin kime yazıldığını zekice sorguladı. Bienal, UNESCO tarafından tanınan Buhara mimarisini yalnızca fon olarak kullanmak yerine, sakinleri ve ziyaretçileri miras ve çağdaş kimlik üzerine sohbetlere dahil etti. Antony Gormley ve Slavs and Tatars’ın yerel ustalarla yan yana yer aldığı, göstermelik katılımın yerini gerçek diyalogun aldığı program, etkinlik yorgunluğu çağında uluslararası bienaller için taze bir model sundu.
Tate Modern'de Leigh Bowery!
Leigh Bowery’yi kutlayan Tate Modern sergisi, kategorilere sığmayı reddeden bir sanatçı için gecikmiş bir takdirdi. Sergi, performans, kulüp kültürü, moda ve vücut sanatı boyunca yayıldı; Bowery bu alanların arasında sınırlar görmezdi. O ikonik “Look”lar (onlara kostüm demek fazla dar kalır), Lucian Freud’dan Michael Clark’a uzanan işbirlikleriyle birlikte sunuldu ve Bowery’nin giyimi bir heykel, bedenini de biçim değiştiren bir araç olarak nasıl yeniden hayal ettiğini gösterdi. Ortaya, 1980’ler ve 90’ların Londra gece hayatının bir portresiyle birlikte, Bowery’nin cinsiyet, cinsellik ve estetik konularındaki korkusuz yaklaşımının bugün de nasıl yankılandığına dair ciddi bir değerlendirme çıktı. Sergi, provokasyonlarını ya da aşırılıklarını yumuşatmadı; nezaket normlarına meydan okurken gerçekten ufuk açıcı bir görsel kültür yarattığını kutladı.
VIMA Art Fair
Kıbrıs, adanın ilk uluslararası çağdaş sanat fuarı VIMA ile küresel sanat sahnesinde sözünü söyledi. Deniz manzaralı, yeniden işlevlendirilmiş bir Limasol şaraphanesinde düzenlenen fuar, yoran Basel-Miami-Paris hattıyla karşılaştırıldığında ferahlatıcı biçimde samimi hissettirdi. Kıbrıs, Yunanistan, Lübnan, BAE, Nijerya, Birleşik Krallık ve daha ötesinden 27 galeri, Kıbrıs’ı Avrupa, Orta Doğu ve Afrika arasında hayati bir kavşak olarak konumlandırdı. Kadronun ağırlığı etkileyiciydi; Atina’dan The Breeder, Tiwani Contemporary, Dubai’den The Third Line gibi isimler yer aldı, ancak esas önemli olan VIMA’nın bölgesel ekosistemler arasında kurduğu gerçek diyalogdu. Küratör Ludovic Delalande’ın ana projesi “Güneşin Mirası” kavramsal zemini sağladı; söyleşiler ve performanslar ise enerjiyi yüksek tuttu. İlk edisyon için beklenenin çok üzerinde bir iş çıkardı.
Fondation Louis Vuitton'da David Hockney, 25
Son 25 yıla odaklandığı duyurulan bu dev sergi, muzipçe 1955’e uzanıyor ve 18 yaşındaki Hockney’nin muhasebeci babasının portresiyle açılıyordu. Frank Gehry’nin Fondation Louis Vuitton binasını 400’ün üzerinde yapıt doldurdu (mimarın kendisinin de sergide bir portresi vardı); resimlerden iPhone ve iPad’de üretilmiş dijital işlere ve immersif video yerleştirmelerine uzanıyordu. Aşırıya kaçan bir gösteriş yerine, hâlâ deneyen, hâlâ merak eden bir sanatçıyı ortaya koyuyordu. Uluslararası ödünçler nefes kesiciydi; Oslo’dan Melbourne’e kurumlar katkı sundu ve Hockney’nin her detaya kişisel müdahalesi hissediliyordu. Bu, sanatçının bugüne kadarki en büyük sergisiydi ve gerçekten özeldi; bir eleştirmen, gözlerinin dolduğunu bile yazdı.
Almatı Sanat Müzesi açılışı
Buhara Bienali’ne ek olarak eylül, Almatı Sanat Müzesinin kapılarını açmasıyla Orta Asya çağdaş sanatı için bir başka önemli anı getirdi. Girişimci Nurlan Smagulov tarafından finanse edilen ve Chapman Taylor tarafından, Tiyanşan Dağları’nı yansıtan mimari detaylarla tasarlanan ALMA, bölgenin ilk özel modern ve çağdaş sanat müzesi oldu. Açılış sergisi, 700 parçalık Kazak ve Orta Asya yapıtı koleksiyonunu, mit, hafıza ve coğrafya üzerine araştırmalarıyla tona yön veren Almagul Menlibayeva’nın kişisel retrospektifiyle eşleştirdi. Yinka Shonibare ve Jaume Plensa’nın dış mekân siparişleri ile Richard Serra ve Yayoi Kusama’yı içeren Artist Rooms bölümleri, iddianın bölgesel odağın ötesine geçtiğini gösterdi. Sanat direktörü Meruyert Kaliyeva, Sovyet döneminde baskı görme riski alanlardan bugünün uygulayıcılarına uzanan kuşakları bir araya getiren bir kurum olarak konumladı.
Karşılaşmalar: Giacometti, Barbican
Barbican’ın, Alberto Giacometti’yi çağdaş heykeltıraşlarla eşleştiren yıl boyunca süren serisi, numaradan ziyade gerçekten üretken ve besleyici hissettirdi. Fondation Giacometti ile birlikte düzenlenen program, Huma Bhabha ile açıldı; ardından Mona Hatoum geldi (Lynda Benglis 2026’da sırada) ve ölüm, parçalanma, hafıza ile travma etrafında kuşaklar arası diyaloglar kurdu. Giacometti’nin uzamış, savaş sonrası figürleri, II. Dünya Savaşı’nın yıkımına verdiği yanıt ve insan formu üzerine meditasyonu olarak, kendi kriz anlarıyla yüzleşen çağdaş sanatçılarla sahici bir yankı buldu. Samimi yeni mekân, dev sergi bunaltısı yerine yakından bakmaya olanak tanıdı.
Palazzo Strozzi'de Tracey Emin: Sex and Solitude
Tracey Emin’in İtalya’daki ilk büyük kurumsal sergisi, itirafçı yoğunluğunu Floransa’daki Palazzo Strozzi’ye taşıdı. Arturo Galansino’nun küratörlüğünü yaptığı “Sex and Solitude”, resim, desen, nakış, neon ve heykel olmak üzere 60’tan fazla işi bir araya getirdi. Mekânın kendisi de önemliydi: Emin’in beden ve arzunun ham keşifleri, Floransa’nın Rönesans mirasıyla kışkırtıcı bir sürtünme yarattı ve aynı zamanda sanatçıyı kentin zengin sanat tarihi içine yerleştirdi. Aşk, kayıp, hastalık ve iyileşme eksenindeki işler hem acil hem de bir yandan açık seçik, olağanüstü kırılgandı. İşlerin zaman aralığı geniş olsa da Emin, sergi açılmadan önce verdiği bir söyleşide bunun “toplu bir değerlendirme” olmadığını vurguladı. “Toplama sergiler ya da retrospektifler yapmayı sevmiyorum. Şimdi yaşamayı seviyorum” dedi.
Royal Academy’de Kiefer / Van Gogh
Royal Academy’nin üç odalık samimi sergisi, Vincent van Gogh’un yaklaşık 60 yıldır Anselm Kiefer’in peşini nasıl bırakmadığını izledi. Anlatı, 18 yaşındaki Kiefer’in, Van Gogh’un Hollanda’dan Belçika üzerinden Arles’a uzanan izini sürmesi için aldığı bir seyahat bursuyla başlıyordu. Amsterdam’daki Van Gogh Müzesi ile geliştirilen sergi, iki sanatçının işlerini yan yana getirerek mitoloji, felsefe ve tarihin ağırlığına dair ortak uğraşları ortaya koydu; farklı yaklaşımlarına da saygı gösterdi. Van Gogh’un öncü Post-Empresyonizmiyle beslenen Kiefer’in anıtsal resim ve heykelleri yeni bir bağlam kazandı; Van Gogh’un 1890 tarihli son işleri ise sanki yeniden canlandı. Kiefer’in ilk kez sergilenen yeni parçaları, o ilk karşılaşmayı hâlâ deşmekte olduğunu kanıtladı. Odaklı sunum, bağlantıyı abartmadan etkileşimi izlemeyi mümkün kıldı.
Kalpten Ele: Grand Palais'de Dolce & Gabbana
Modanın müze anı, Domenico Dolce ve Stefano Gabbana’nın 40 yıllık maksimalist vizyonlarını kutlamak için Paris’in Grand Palais’sini ele geçirmesiyle geldi. Milano’daki prömiyerin ardından “Du Coeur à La Main”, Paris’te 1.200 metrekarede ve üç katta açıldı; 12 nefes kesici tablo içinde düzenlenen 200 Alta Moda ve Alta Sartoria parçası, 300 el yapımı aksesuar ve 130 sanat yapıtı sergilendi. Florence Müller küratörlüğündeki sergi, D&G’nin zanaatını İtalya’nın daha geniş sanatsal mirası içine yerli yerinde oturttu. Çoğumuzun asla erişemediği o defile ön sıralarının sunduğu yakın plan bakış, teatral aşırılığın altında saf bir zanaatkârlık olduğunu ortaya koydu.